В апреле исполнилось 50 лет со дня смерти Пабло Пикассо – художника, которого одни считают великим, а другие презирают за «детскую» манеру живописи. Неоспоримо одно – Пикассо оказал влияние на все искусство XX века и продолжает оставаться источником идей и по сей день.
Текст: Мелания Жулева
Родившийся в Испании, но получивший признание во Франции, Пикассо изменил правила игры в искусстве. Он создал новый стиль, который объединил в себе кубизм и сюрреализм. На своих полотнах он рисовал звук и движение, метафоры чувств и абстракции настроения, оттого зритель до сих пор открывает целые миры в его творчестве, заодно познавая новые грани себя.
Свой стиль, однако, Пикассо менял много раз. «Я много чего смешиваю, изменяю. Я никогда не стою на месте, поэтому у меня нет единого стиля. Каждый новый раз, когда вы меня видите, я другой», – говорил он. Этому способствовали и меняющиеся жизненные обстоятельства, и люди, которые входили в его жизнь. Каждый раз, когда Пикассо влюблялся, он изобретал новый стиль. Так что его творчество – точная и яркая репрезентация того, что происходило в его жизни.
Так, после самоубийства близкого друга Карлоса Касагемаса Пабло впал в затяжную депрессию и в его творчестве начался «голубой» период (1901–1904). Работы художника погрузились в оттенки синего, стали отражать печальную реальность и экзистенциальные темы: нищих, бродяг, больных, алкоголиков и других несчастных людей. Эти произведения не пользовались особым спросом и интересом у публики, особенно после большого успеха первой самостоятельной выставки пастельных работ Пикассо, которую помог организовать влиятельный коллекционер и торговец живописью Амбруаз Воллар.
Тогда Пабло даже возвращался на родину, потому что у него не было ни гроша, чтобы обеспечивать свое существование. Но несколько лет спустя он все же вернулся в Париж и стал уже постоянно жить в этом городе с 1904 года.
В это время он познакомился с невероятно красивой моделью Фернандой Оливье, любовь к которой скрасила его жизнь и ознаменовала начало «розового» периода в творчестве (1905–1906). Главными цветами полотен стали розово-золотистые и янтарные оттенки, а частыми мотивами – сцены из романтичной жизни бродячих артистов и комедиантов цирка Медрано, среди которых Пабло проводил много времени.
В 1906 году он посетил выставку в музее Трокадеро, где на него невероятно сильное впечатление оказала африканская культура. Примитивные скульптуры, идолы и маски поражали чувственной простотой форм, при этом излучая невероятно сильную магическую энергию. В свои 28 лет Пикассо написал картину, с которой теоретики отсчитывают начало развития кубистического стиля, – «Авиньонские девицы». Девушки из публичного дома изображены в нарочито упрощенной манере, агрессивной наготе и маскулинности, с примитивными линиями, которые лишь очерчивают формы тел, и пугающими африканскими масками вместо лиц.
Тогда не только публика, но и друзья Пабло остро отреагировали на это произведение – они сочли его «кошмаром и ужасом». Однако кубизм продолжал развиваться, и Пикассо стал пере - ходить к изображению более абстрактных вещей, а затем и вовсе создавать коллажи из всего того, что найдется вокруг: обоев, веток, песка, газетных вырезок и многого другого. В основном на карти - нах этого периода преобладают предметы натюрмортов: бутылки вина, ноты, столовые приборы и музыкальные инструменты.
Подобные работы имели ошеломительный успех и очень быстро продавались. Поэтому Пикассо перестал нуждаться в деньгах и пере - брался из общежития, в котором жил до этого вместе с Фернандой, в собственную просторную и светлую мастерскую. После расставания с возлюбленной он познакомился с нежной и спокойной Марсель Умбер, которую ласково называл Евой. Но уже через четыре года она неожиданно заболела и скончалась. Печаль художника усиливали и переживания из-за войны, мобилизации и расставания со многими друзьями.
Пикассо на несколько лет пристрастился к алкоголю, пока Сергей Дягилев не пригласил его поработать над «Русскими сезонами» в Риме.
На новом месте он познакомился не только с новаторским и нетрадиционным проектом, но и со своей первой женой – русской балериной Ольгой Хохловой, которая родила ему сына. Дочь эмигрировавшего офицера хоть и была бедной, но обладала аристократичностью манер, умела вести беседу и обожала красоту и роскошь. Она просила Пабло изображать ее на картинах не кубиками, а более реалистично, чтобы она могла узнавать себя. Так что на время Пабло снова отошел от кубизма и начал писать картины более ярко и правдоподобно – начался период неоклассицизма.
Несмотря на то, что брак с Ольгой продлился до самой ее смерти, вместе они не жили, поскольку, в отличие от возлюбленной, Пабло ненавидел порядок, домашний уют и светские вечера – ему было гораздо комфортнее жить в беспорядке и хаосе. После их расставания в творчестве Пикассо появились агрессивные и депрессивные мотивы.
Начиная с картины «Танец» художник увлекается миром галлюцинаций, конвульсий, танцев и истерики и приходит к стилю сюрреализма. Это фантасмагорические образы, существа, раздутые до абсурда и разорванные на части.
Успокоение наступило с появлением новой музы в его жизни – Марии Терезы Вольтер, 17-летней блондинки и совершенной противоположности жены. Она стала частой героиней многих произведений Пикассо, которые отличались иногда излишне откровенной чувственностью и эротикой. Однако и к этой девушке у Пабло вскоре пропал интерес, и он стал встречаться с эксцентричной Дорой Маар. Ее настроение очень часто менялось: от невероятного счастья и радости она переходила к взрывам тоски и грусти. Именно такой ее и изображал Пикассо – грустной, печальной, плачущей с жестоко искаженным лицом. Это была болезненная любовь длиною в семь лет.
После он познакомился с 21-летней Франсуазой Жило, которая, как и сам Пабло, увлекалась искусством и занималась живописью. Она вдохновляла художника уже на более нежные и лиричные произведения. Какое-то время они даже жили спокойной жизнью с двумя детьми на побережье, но после измен с его стороны Француаза ушла. Впервые в жизни почувствовав себя брошенным, Пикассо снова впал в тяжелый моральный кризис.
С 1947 года Пабло поселяется на юге Франции и в своем творчестве предается более миролюбивым мотивам. В 1949 году Пикассо рисует знаменитого «Голубя мира» на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1952-м расписывает стены старой капеллы аллегорическими символами войны и мира – эту капеллу он называет «Храмом мира». Он также увлекается керамикой, которая становится второй формой холста или бумаги, и воссоздает на глиняных изделиях своих излюбленных персонажей – кентавров, быков, голубей, женщин, а также лепит антропоморфные кувшины.
Когда Пабло было за семьдесят, он знакомится со своей второй женой – 32-летней Жаклин Рок. Она стала не только последней музой художника, но и верным спутником до конца его жизни: Жаклин не отличалась шиком, восхищалась Пабло как гением, искренне заботилась о нем и была преданна, несмотря на слабое здоровье мужа. На своих полотнах он изображал ее восточной красавицей с точеным образом женщины-кошки – сфинкса, именно ею вдохновлена его серия алжирских женщин. А когда Пикассо умер 8 апреля 1973 года во французском курортном городе Мужен, где прожил последние 12 лет, Жаклин даже не пустила никого на его похороны.
Мода
Пабло Пикассо говорил, что испытывает ужас перед гармонией и хорошим вкусом, поэтому он не только прожил всю жизнь в беспорядке, но и покупал вещи, которые ему нравились, не заботясь о стиле. Тем не менее, несмотря на то, что сам художник предпочитал свободную и незамысловатую одежду, чтобы в ней было удобно творить, а любимые рубашки часто занашивал до дыр, впоследствии он стал вдохновителем для многих дизайнерских коллекций.
Первое личное соприкосновение Пикассо с модой состоялось, когда на протяжении нескольких лет он сотрудничал с Сергеем Дягилевым, создавая декорации и эскизы для костюмов его танцоров. В те же времена Пикассо познакомился с Габриэль Шанель, которая тоже работала с «Русскими сезонами» и постепенно переходила к стилю, близкому художнику.
После Первой мировой войны, когда условия жизни резко и быстро изменились, на хрупкие женские плечи свалилось множество обязанностей и тысячи женщин были вынуждены идти работать на фабрики и заводы на мужские позиции. Так что бывшие в моде корсеты, пышные длинные юбки с огромным количеством бантов, складок, лент и орнаментов уже становились неактуальными. Активная деятельность требовала чего-то простого, но при этом практичного, чтобы одежда в первую очередь обеспечивала комфорт и свободу передвижений.
Коко Шанель стала одним из первых модельеров, кто, в том числе из-за нехватки тканей и текстиля, начал постепенно работать с простыми и «бедными» материалами, плоскими и угловатыми формами, разрабатывать новые стили платьев без пояса, делать их короче, свободнее, добавлять практичные карманы и убирать лишние украшения.
Так что кубистические работы Пикассо становились идеальным олицетворением того, что Габриэль хотела отразить в своих изделиях.
В картинах Пикассо и одежде Шанель можно найти множество пересечений. Одна из таких точек соприкосновения – шанелевская гамма (белый, черный, бежевый, синий), которая часто становилась палитрой множества картин художника.
Другая – силуэт базовой модели платьямайки, который вдохновлен силуэтами «больших женщин» с его картин. А третья – образы для балета Дягилева «Голубой экспресс», которые являются чем-то средним между спортивными и купальными костюмами и отсылают к картине Пикассо «Купальщицы» 1918 года.
Moschino
Одним из самых известных показов, на котором модернистские образы с картин Пикассо были перенесены на подиум, стала весенне-летняя коллекция 2020 года итальянского бренда Moschino. Серия одежды была вдохновлена работами разных периодов творчества художника. Креативный директор бренда Джереми Скотт и сам говорил, что много читал о нем, смотрел фильмы, чтобы наиболее полно отразить разные элементы, которые присутствовали в жизни Пикассо. Поэтому он превратил Беллу Хадид в Арлекина, Кайю Гербер – в ходящую мандолину, Джиджи Хадид нарядил в свадебное платье с голубями, а также использовал в образах лейтмотивы корриды, наготы и даже смерти, чья тень часто преследовала художника в течение жизни.
Yves Saint Laurent
Ив Сен-Лоран вдохновлялся Пикассо не один раз. В 1979 году он представил коллекцию, известную как «Дань уважения Пикассо и Дягилеву». Она цитирует эскизы для балетных костюмов и отличается характерными крупными графическими узорами, которые нанесены на шерсть, габардин и атлас. А на показе 1988 года были позаимствованы коды кубистических работ художника. На временной выставке в Национальном музее Пикассо даже были представлены темно-синий пиджак, который кажется точной копией того, что изображен на «Портрете Нюш Элюар», и платье с узором лица, отсылающее к картине «Бюст женщины».
Oscar de la Renta
Американский модельер доминиканского происхождения Оскар де ла Рента также отдал дань уважения кубистическому периоду Пикассо в своей круизной коллекции 2012 года. Он больше сосредоточился на увлечении Пикассо техникой коллажа, поэтому множество предметов одежды были украшены вручную с помощью красочной вышивки, графичных черно-белых каракулей, брошей, пряжек для ремней и ожерелий, которые как будто сняли с холста или скульптуры. А мотивы страстного испанского наследия воплотились в куртках матадора, брюках узкого кроя с завышенной талией и пышных платьях в оттенках красного цвета фламенко.
Viktor&Rolf
Дуэт голландских дизайнеров Viktor&Rolf нашел вдохновение в папье-маше и угловатых лицах на женских портретах Пикассо. Показ кутюрной коллекции под названием «Представление скульптур» они начали с простого теннисного платья с профилем лица и рельефным глазом и продолжили его постепенным усложнением, добавляя все больше объема, слоев, вееров и завитков, которые в итоге полностью закрыли лица девушек. Чисто-белая гамма позволила добиться сходства с гипсом и мрамором и превратить моделей в скульптуры, передвигающиеся на человеческих ногах. В некоторых силуэтах даже прослеживались более острые черты Доры Маар и более женственные – Франсуазы Жило.
Apple
Не только модельеры вдохновляются Пикассо. В компании Apple на курсах для дизайнеров используют серию из 11 литографий художника под общим названием «Бык», которая начинается с реалистично прорисованного и идеально растушеванного быка и заканчивается несколькими простыми линиями, которые все равно напоминают животное. Эта серия представляет собой пошаговый пример того, как разбивать изображение на необходимые визуальные компоненты и отказываться от всего ненужного. Именно подобных простоты и изящества компания придерживается в разработке своей продукции.